“End of the Bubble”

Bastano queste quattro parole a descrivere la prima esperienza lavorativa all’estero da quel Budapest di gennaio 2020, che sembra ormai un lontano ricordo nonostante sia trascorso poco più di un anno.

Sempre Budapest, tecnicamente sempre “Budapest2020”, ma stavolta non pallanuoto bensì “tutto il resto”. Campionati europei di nuoto, nuoto sincronizzato, nuoto di fondo e tuffi.

Questo post vuole essere, come al solito, la pura e semplice condivisione di un’esperienza.

Com’è stato in tre parole?

Intenso, emozionante, straniante.

Intenso perché sono state due settimane davvero cariche, cariche, cariche di lavoro. Il mio task era la produzione di video, alternando recap giornalieri e Reels per Instagram; in un campionato di 14 giorni di roba da filmare ce n’è davvero tanta.

Emozionante perché si, tornare a poter fare questo tipo di lavoro, dopo così tanto tempo, è stato a modo suo emozionante. L’ambiente a contorno di questi sport, soprattutto nuoto sincronizzato e tuffi, è sempre molto coinvolgente e, passando molto tempo nel behind the scenes, finisco sempre per entrare un po’ a far parte io stesso di “questo mondo”. Vivere dei momenti insieme agli atleti, immortalare una parte della loro routine, della loro emozione, della loro brama di risultati. Lacrime di gioia e di sconforto, risate, adrenalina: essere lì vuol dire trovarsi davanti a persone che lavorano da anni “per essere lì” e coronare sogni e ambizioni. Tutto questo traspare da gesti ed espressioni (ciascuno a modo suo) e a noi, fotografi e filmmaker, è dato il compito di immortalarle e portarle all’esterno, perché tutti possano farne parte.

Straniante perché… beh, perché si.

Perché stare qui, a fare questo lavoro, significa effettuare un tampone molecolare prima della partenza, uno in ingresso, uno ogni 5 giorni di campionato e uno in uscita, significa indossare una mascherina (nel mio caso FFP2) per 10-12 ore al giorno, igienizzare le mani quante più volte possibile, cercare di evitare situazioni di contatto in ambienti che, spesso, il contatto lo implicano. Significa non poter uscire dalla “bolla”, ovvero hotel-piscina-trasporti. Significa avere paura perché, per quanto lo si possa mascherare stando insieme, ridendo e scherzando, un minimo di coscienza ti porta, in un simile contesto, ad avere costantemente paura. Anche se “sei in bolla”, nessuno può uscire, tutti sono testati, chi non è in bolla lo è quotidianamente, una dose di sana paura accompagna ogni azione, ogni momento della giornata.

Spesso (praticamente sempre) il nostro lavoro sono “le immagini e i video” che produciamo. Quasi mai, nel fruitore di tali contenuti, c’è consapevolezza di tutto il “retroscena”, e questo vale anche per me: uno degli aspetti che più amo della mia professione è il trovarmi in contesti che mi permettono di avere una comprensione e consapevolezza profonde di situazioni con le quali ho a che fare quotidianamente (produzione di birra/vino, logica-logistica di un grande ristorante, un video-corso di fitness, lo stoccaggio in ambiente asettico di succhi di frutta, un campionato sportivo europeo). Lavorare per realtà di questo tipo porta inevitabilmente ad un contatto “intimo” con le stesse, a conoscerne le dinamiche e per me ciò è sempre stato estremamente interessante e affascinante.

Avendo dovuto realizzare, in occasione dell’ultimo turno della Champions League di pallanuoto, a Ostia, delle riprese che raccontassero un po’ tutto il processo di allestimento della piscina, fino ad arrivare al set-up della venue pronta per accogliere l’evento, ho potuto avere una comprensione ancora più profonda di tutto ciò che porta a ciò che vediamo in TV, durante un evento sportivo, appunto.

Tornando al principio di questa digressione: analogamente accade lo stesso per quanto riguarda il mio lavoro, ovvero ciò che si vede è “ciò che è fuori”, il prodotto, appunto, mentre si ignorano spesso tutte le dinamiche ad esso legate.

Una cosa che ho sempre cercato di fare, fin dai tempi del progetto time-lapse in Gargano, Mediterranean Majesty, è stata cercare di documentare il backstage, ciò che porta alla realizzazione di un qualcosa. Non è sempre facile, soprattutto se si è da soli, ma ho sempre cercato di produrre una foto, un video, qualcosa che potesse portare chi mi segue “dentro” a quello che è il mio lavoro, non soltanto al prodotto finito. Lo faccio perché per me è una dinamica talmente affascinante e interessante, trasposta al lavoro di altri, che in cuor mio penso sempre che ci sia qualcun altro lì fuori altrettanto attratto dal “dietro le quinte”, pertanto è una sorta di racconto che voglio portare fuori dalla mia sfera “personale”.

Anche qui, sfruttando tutti i miei strumenti (una camera FPV delle dimensioni di una gomma da matita), ho cercato di realizzare due Reel che raccontassero in modo “simpatico” una giornata tipo qui agli europei.

Inoltre, mi sembra a questo punto simpatico proporre un reel realizzato durante i campionati per la LEN riguardante il “mondo dei media”

Dal reharsal dei team di nuoto sincronizzato, appena giù dal pullmann, alla pratica sul dryland dei tuffatori, agli schiaffi su pettorali e glutei dei nuotatori, tutto ciò che fa parte di questo ambiente racconta, a modo suo, una storia, e questo racconto si avvale anche dei particolari, dei quali spesso e volentieri si va alla ricerca per inserirli nella cronaca della giornata. Un’altra cosa che trovo affascinante di questo ambiente lavorativo è che, nonostante di base faccia ciò che ho sempre fatto (reportage), mi ha portato fuori dalla mia confort zone fin dal primo momento, in quanto qui il mio modus operandi prediletto (medio grandangolo e medio tele) si è rivelato inadeguato e improduttivo, pertanto ho dovuto cercare, trasferta dopo trasferta, il modo migliore per combinare potere espressivo e discrezione, possibilità di muoversi più o meno liberamente e capacità di raccontare tanto il particolare quanto l’insieme. Per poter coprire la narrazione in modo estensivo, senza voler tralasciare degli aspetti, è necessario fare più “puntate”, variando l’attrezzatura, ma generalmente sono riuscito a formulare una configurazione che mi permette di riuscire a concretizzare quella che è la mia visione del behind the scenes in riprese che vogliano essere sia estetiche che descrittive. E’ una bella palestra per l’occhio, insomma, ed è un ambiente che, per sua natura, ti mette costantemente alla prova, soprattutto quando si aggiungono variabili esterne (nuovi sistemi di streaming messi a disposizione da Eurovision alla LEN in occasione dell’evento stesso, che devi imparare a usare in tipo 1 ora perché ti serve di poter attingere dal materiale in broadcast tipo subito).

Oltre alla parte “sul campo”, che riguarda strettamente le riprese realizzate da me e da Antonella nel backstage (e anche durante le gare, principalmente al “contorno”), per saturare la potenzialità della narrazione di una giornata di evento ci si avvale del segnale delle camere broadcast, che confluiscono, come nominato sopra, nello stream video su piattaforma Eurovision; tali stream sono a nostra disposizione per tagliare delle clip, da inserire poi nei video recap, dato che un videomaker a terra non potrà mai neanche lontanamente/umanamente/scientificamente arrivare dove arrivano centinaia di migliaia di euro di telecamere, spydercam, dolly e chi più ne ha più ne metta.

E’ tutto parte di un sistema che, alla fine, finisce nel vostro feed di Instagram.

Quando scrollate e vedete un video recap realizzato per una giornata di gare, che dura 2 minuti, pensate che dietro quel video c’è il sacrificio degli atleti, la perizia di non si sa quante figure professionali, tutto il contorno di cui vi ho parlato qui sopra. Non è emozionante?

Per quanto mi riguarda, trovo entusiasmante la possibilità di lavorare per eventi di questa portata direttamente con l’organizzazione dell’evento stesso, avere accesso tanto al backstage quanto alle gare, poter riprendere e fotografare ciò che non si vede (quasi) mai in TV e appagare la mia innata e illimitata curiosità.

Tornare a poter fare questo lavoro è stato, a modo suo, emozionante e anche stimolante. Nonostante tutti i downside, nonostante le restrizioni e la situazione covid, nonostante 17 giorni lontano da casa siano tutt’altro che leggeri… è comunque una delle sfaccettature di ciò che faccio che più mi affascina e coinvolge.

Big thanks a tutto il #deepbluemediateam.

Con questo momento di condivisione vi saluto e vi lascio al prossimo fiume di storie che sarà la trasferta a Belgrado, per le finali di Champions League di pallanuoto!

Stay safe.

Cheers

Post lungo.
Post facile.
Post difficile.
Post strano?

Le mie prime “memorie musicali” risalgono a ben 25 anni fa (anno più, anno meno). Mia madre mi iscrisse ad un’accademia musicale a Pescara, ho vaghi ricordi di un flauto dolce suonato random. Da lì a poco le memorie si trasferiscono alla Scuola Civica di Musica di Montesilvano, la metropoli nella quale ancora risulta la mia residenza. Quella scuola di musica l’ho praticamente vista nascere, quando era ancora un’entità fumosa fatta di lezioni ospitate prima dalle aule di una scuola media, poi da un ex mercato coperto. Negli anni, tra uno spartito di Lucio Battisti e uno degli 883, tra un saggio di musica e l’altro, tra un solfeggio e una nozione di teoria musicale, sono giunto a quella che sarebbe diventata la sede ufficiale della scuola, e a quella che sarebbe diventata la forma ufficiale della mia mentalità musicale. Un percorso lungo ma costante, fatto di arranger Roland e basi musicali, accordi con la mano sinistra e melodia con la mano destra. Qualche nozione tecnica di pianoforte, fondamentale. Tanto ascolto.

I generi musicali posso dire di averli attraversati praticamente tutti (e quel praticamente esclude ciò che neanche sotto tortura riuscirei mai a definire “musica”); cominciando dalla musica leggera (Battisti in particolare), che ascoltavo in musicassetta, utilizzando un registratore di quelli belli, rettangolari, brutti, sono passato ai primi walkman che, fino all’avvento dei lettori CD, sono stati testimoni della fase “rap americano” (principalmente Eminem, 2Pac, pochi altri). Questa fase è durata fortunatamente giusto il tempo per farmi rendere conto che, se avessi voluto avere a che fare con della musica “suonata”, non sarebbe stato certo quella la strada da percorrere. A partire dal primo anno di scuola superiore ho avuto modo di espandere i miei orizzonti verso generi più interessanti, ascoltando (contemporaneamente): Apptite for Destruction (Guns n’ Roses), Back in Black (ACDC), Burn (Deep Purple) e Californication (Red Hot Chili Peppers).

Tra l’altro: ma che figata è il videoclip musicale di Californication?

Comunque, da qui in poi, Alessio inizia il suo vero viaggio nella musica.

Come naturale evoluzione del percorso, sono approdato dall’hard rock al glam metal e al power metal, passando per l’hardcore punk (breve ma intenso periodo). Grazie alla fase power metal, durata diversi anni, ho cominciato ad approcciare lo strumento musicale in modo completamente diverso. Ascoltando le canzoni mi rendevo conto della presenza di tante, tante tracce di pianoforti, clavicembali, orchestra e sintetizzatori e ciò ha inesorabilmente destato la mia curiosità. Questo, senza alcuna ombra di dubbio, è stato il punto di svolta in quel viaggio che mi ha portato fino alla scrittura di questo post. Ho cominciato a chiedere al mio insegnante di poter studiare i soli di tastiera, avviando un processo che mi ha portato ad affinare le mie capacità tecniche; facilitato dalla comparsa dei lettori mp3 (il mio primo fu il Creative Zen Touch da 20GB, per poi passare ad un iPod classic) ascoltavo sempre più musica, tutti i giorni. Non uscivo di casa senza quel dispositivo, quasi fosse qualcosa di essenziale per la mia vita, ho iniziato ad accrescere la mia raccolta musicale, a catalogare i brani, ad espandere conoscenze e allenare sempre di più l’orecchio a riconoscere i vari suoni. Un altro importante turning point è stato senz’altro il momento in cui ho iniziato ad ascoltare i Dream Theater, che da allora sono una delle band musicali a cui tengo di più (e che ho visto più volte in concerto, l’ultima volta proprio a febbraio di quest’anno, pre-covid).

Con i Dream Theater, e quindi con il progressive metal (e progressive rock), ho trovato la mia dimensione musicale. Con qualche doveroso e fisiologico assestamento, questo genere è stato la solida strada sulla quale ho potuto proseguire, per oltre dieci anni, il mio percorso; mi ha permesso di allenare l’orecchio a ricevere uno stimolo musicale complesso, con un’infinità di influenze e contaminazioni da altri generi, ad abituarmi alle sfumature, alle finezze e a capire sempre meglio dove fosse quel fantomatico “punto di convergenza” tra tecnicismo, narrazione musicale e ricerca del suono. Oltre a ciò, ha soddisfatto appieno (e continua a farlo) la mia innata curiosità e predisposizione per la sperimentazione: da tastierista, per me, è stato come trovarmi in uno sconfinato parco giochi, con infinite giostre su cui salire, raccogliendo emozioni, mischiandole, per poi poter inventare nuove attrazioni. Figlio di questo periodo è un lavoro realizzato nel corso degli anni, tra mille peripezie, insieme al mio partner musicale storico, Matteo.

Ad oggi sono fiero di aver realizzato, non senza impegno e con un imprevisto finale che ne ha pregiudicato in parte la resa definitiva, questo lavoro con una delle persone alle quali tengo di più su questo pianeta.

Negli ultimi tre anni c’è stata un’ulteriore evoluzione che mi ha portato ad AFFIANCARE a questa componente progressive una più elettronica, esplorando nuove sonorità e dando giustizia a quello che è l’aspetto più rilevante del mio lavoro musicale: la ricerca del suono. Numerose volte, nel corso dei 25 anni della mia “vita musicale”, mi sono trovato a dover specificare quanto segue: “Non sono un pianista, sono un tastierista“. Perché questo? Innanzitutto per una forma di rispetto nei confronti di chi lo strumento, al contrario di me, l’ha STUDIATO per anni, dedicando ore e ore all’aspetto tecnico e non solo; io ho sempre dedicato allo studio ciò che ritenevo fosse utile per i miei scopi, dunque non mi permetterei mai di definirmi “pianista”. Poi perché, di fatto, ciò che ritengo di primaria importanza, nella mia “produzione” musicale, non è tanto l’aspetto tecnico quanto quello della ricerca e della cura del suono. Ho passato anni a lavorare anche su singoli suoni, modificando qua e là, a distanza di mesi, fino ad ottenere ciò che desideravo. Per quanto, spesso, ho sentito la mancanza di una solida base tecnica e, se potessi tornare indietro nel tempo, CERTAMENTE affronterei anche un percorso di studi classici, in questo momento, mentre scrivo questo post, sento di non poter avere troppi rimpianti, dato che è proprio questo il motivo per il quale sto scrivendo: l’annuncio (ai pochi a cui interessa) della concretizzazione di tanti anni di musica (con incostanza, con lacune, con quello che vi pare, ma tra ascolto e pratica la musica non è MAI mancata nella mia vita) in un lavoro organico, di senso compiuto.

Dunque, dopo uno sproloquio infinito per far luce sulla mia storia musicale (seppur a grandi linee, nonostante il wall of text), vado al punto.

Dal 2016 (OH NO! UN ALTRO SPIEGONE!) ho in cantiere un ambiziosetto progetto musicale, un concept album basato su una storia, una sorta di racconto da me abbozzato contestualmente alla decisione presa, in ambientazione fantasy steampunk. Dal 2016 ho più volte tentato di strutturare, di gettare delle basi per poter cominciare a comporre e a impiantare un qualcosa di concreto, ma sono sempre stato frenato da un mio bug, di cui ho parlato, tra l’altro, in

QUESTO POST

Parlo della “paura” di intraprendere un qualcosa di grande, di importante, a causa della fase preliminare, che importante quanto il “qualcosa” stesso e, soprattutto, richiede tempo, fatica, pianificazione, sforzi e, perché no, sacrifici.
Non aiutato dal mio stile di vita che, soprattutto negli ultimi due anni, mi ha portato a stare spesso fuori casa per lavoro, da febbraio di quest’anno ho deciso di parlare di questo mio progetto a una persona, un tale Valerio, per condividerlo e riprendere un po’ di fiducia in me stesso e nel potenziale che sono sempre stato convinto questo lavoro portasse con sé. Da lì, dunque, la decisione di rimettere mano alle idee, alle bozze, la decisione di fare ordine, prendere un quaderno e dedicarlo al progetto (L’AVRESTE MAI DETTO??!!?), sedermi, concentrarmi e, dopo 4 anni, iniziare. Da febbraio, tra un lavoro e l’altro, siamo arrivati a marzo e, da lì, a quello che è probabilmente l’evento più “eclatantemente” segnante per la nostra umanità, dal dopoguerra a oggi. Dico “è”, non “è stato”, perché, a differenza di quanto apparentemente in molti pensano, è tutt’altro che “finito”. Dunque, per farla breve (a questo punto lo devo come atto di pietà a chi abbia avuto il coraggio di arrivare a leggere fin qui), terminati dei lavori, il 13 aprile 2020 ho ufficialmente aperto quel quaderno e dato il via a quella che è stata una delle esperienze più strane, belle, intense, contraddittorie e conflittuali della mia vita: la scrittura di un mio personale concept album.

Ho trascorso così giornate intere alle tastiere, e poi al computer, e poi alle tastiere e, minuto dopo minuto, brano dopo brano, sono giunto, in 58 giorni, alla conclusione della prima fase di questa esperienza: quella compositiva (preliminare).

È da una mezza pandemia di tempo che ho questo post in mente, ma solo ora ho trovato la condizione mentale “giusta” per scriverlo. Avrei voluto documentare la scrittura del concept quotidianamente, tenere una sorta di “music log” (Per chi mi segue: vi suona familiare? O siete anche voi tra quelli che guardano le foto senza leggere il contenuto dei post?!!), ma la mia PROVERBIALE incostanza mi ha portato a glissare, schiacciato dalle prime 3-4 giornate di full immersion; quelle giornate in cui “Alle 11:30 pubblico questa foto” e poi, puntuale, la foto esce, alle 11:30… di 8 giorni dopo.

Poco male.

Ho realizzato del materiale fotografico che sto utilizzando per corredare questo post, ma non solo. Ho dunque deciso che, a partire da oggi, dedicherò più tempo alla condivisione di questo progetto per me così smisuratamente importante, nel quale ho scelto di coinvolgere persone delle quali ho massima stima, a livello professionale e personale. Questo progetto che, per me, rappresenta una sorta di capolinea di un viaggio lungo 25 anni, che mi porterà (spero) a intraprenderne un altro, come diretta conseguenza.

Non sto a spiegarvi il disagio provato (da me) negli anni, ogni volta che mi riavvicinavo all’idea di dare inizio a questo progetto musicale e ogni volta che questa idea si concretizzava, puntualmente, in un nulla di fatto. Tutte gli insulti autorivoltimi (…è una parola?), la frustrazione, i rimorsi, la rabbia per aver parlato del progetto alle sopra menzionate persone che stimo e ammiro, salvo poi non concretizzare una beneamata minchia, non sto a raccontarvi di tutte le sensazioni negative che hanno fatto da preludio a questa “opera”, perché ora è acqua passata.

Ora, mentre scrivo, considerando che il 70% di quanto ho messo in questo lavoro è frutto dei vagabondaggi musicali degli ultimi tre anni, posso soltanto prorompere con un liberatorio “MENO MALE CHE NON L’HO FATTO NEL 2016“. Perché si, perché sarebbe stato probabilmente di egual valore, per me, ma sono stra-sicuro che non avrebbe potuto beneficiare di una palette di spezie “esotiche”, scoperte in tempi recenti (e recentissimi). E in questo post di “bentornati” sul mio blog e di “benvenuti” in questa nuova avventura che mi vede come protagonista, in buona compagnia, non posso che ringraziare di cuore gli altri protagonisti (che svelerò man mano) che, a distanza di anni, a quanto pare – loro malgrado – non mi hanno preso per cazzaro e mi hanno rinnovato la loro disponibilità.

Più di una volta, nella mia vita, ho pensato che il tempo speso per la musica fosse tempo ben speso.

Non basterebbero diecimila post per spiegare tutte le sensazioni e le emozioni provate in 25 anni, ma anche solo in questi 58 giorni o nei successivi 58, 67, 73 giorni che serviranno per la concretizzazione del lavoro. Non so quanto tempo sarà effettivamente necessario, so soltanto che tutto il tempo che sarà speso per la musica sarà tempo ben speso.

Perché posso essere certo di una sola cosa, in questa bizzarra esistenza fatta di contraddizioni, ipocrisie, pianeti distrutti dagli stessi abitanti, ghiacci che si sciolgono, pandemie che infuriano ma anche di meravigliosi alpaca, di pesci luminosi, di aurore boreali, unicorni e arcobaleni: che la musica mai allenterà la sua presenza nella mia vita.

Cheers.

Disclaimer: questo post non vuole assolutamente essere una recensione su Blackmagic Design Davinci Resolve.

Fine del post, grazie a tutti per la lettura.

Scherzi a parte, dato che tanti di voi si saranno probabilmente affezionati ai miei scleri occasionali nei confronti di Adobe Premiere Pro (che sono occasionali in quanto sono molto selettivo nei confronti delle minchiate da pubblicare su Facebook, perché altrimenti diventerebbero quotidiani), non vorrei deludere magari l’aspettativa nel continuare a vedere un certo trend in questa pratica calunniatoria nei confronti di un software così utilizzato e amato.

Dopo questa frase così complicata vado a fare un giro per casa (non posso uscire perché… #coronavirus, #iorestoacasa) per far uscire un po’ di vapore dal cervello e poi riprendo a scrivere.

Disclaimer 2: Io uso (e pago) Premiere da 6 anni, conosco bene Premiere, insegno Premiere e, per una serie di motivi, dovrò continuare a farne uso (anche se in modo marginale). Di nuovo: non sto qui a combattere una crociata per la quale non sarei minimamente titolato né tantomeno giustificato. L’unico scopo di questo #scrittino è, al solito, quello di condividere un’esperienza, che magari potrà essere utile ad altri che, come me, si trovano ad affrontare problemi ormai arcinoti a noi umili Premiere users on Windowzzzz.

Ah, prima che me ne dimentichi: questo post è la “seconda novità” di cui parlo nel precedente, quello sulla Insta360Go, che linko QUI.

Davinci Resolve, per chi non lo sapesse, è un software di editing video, sviluppato da Blackmagicdesign, inizialmente molto incentrato sul color grading, anche in ambiti MOLTO elitari/professionali. Nel corso della sua evoluzione questo software ha incluso sempre più funzionalità interessanti fino a diventare, oggi (con la versione 16.2, che ho acquistato), una VALIDA alternativa ad altri software di montaggio più conosciuti e blasonati.

Come sono passato da un utilizzo così radicato di Premiere a questo software, così leggiadro e sbarazzino?

Ho avuto il primo “contatto” con Resolve nel 2016 (se non ricordo male), perché all’epoca ero in piena fase “adolescenziale” con il video: tutto ciò che si potesse sperimentare, era ben accetto. La sperimentazione, tuttavia, era spesso e volentieri associata all’incostanza, e questo primo incontro non ebbe alcuna conseguenza.

Lo scorso anno, esattamente a gennaio, scaricai nuovamente Resolve, in versione free, e Capture One (poco dopo acquistato), software di post produzione fotografica ben più potente di Lightroom. Tale decisione era strettamente legata ad una necessità ben presente: quella di poter tagliare le riprese realizzate con il mio drone. Già, perché tramite Premiere non riuscivo in alcun modo a visualizzare (e, di conseguenza, montare) le riprese acquisite con il mio piccolo amico elicodotato, ciò risultando in una immane frustrazione da parte di me, povero videomaker frustrato, che si è assemblato una Workstation desktop con il solo intento di… montare video. Dunque, cerca di qua e cerca di là, ho provato a RESOLVEre questo problema scaricando Resolve e provando a buttarci dentro le riprese aeree. Risultato: zero issues. Playback delle riprese in tempo reale, senza rallentamenti: non faceva una piega.

MA

per pigrizia mi limitai a convertire ed esportare le riprese, e montare il video per il quale mi urgevano con Premiere.

QUESTO VIDEO QUI.

Da lì è trascorso circa un anno, nel quale ho continuato a utilizzare Premiere; a gennaio mi sono trovato in una situazione paurosamente simile a quella sopra descritta, ovvero: devo montare il DRONEFOLIO, ossia un video-portfolio che mostri il mio lavoro svolto con il drone nell’anno 2019. Wow, sono fregato! Devo nuovamente impiegare Resolve per selezionare tutte le riprese, in modo da poterle poi esportare e montare con Premiere!

Solo che, stavolta, dopo averle selezionate, ho deciso che ne avevo abbastanza.

Insieme all’amico Pasquale, auto-motivandoci a vicenda, abbiamo deciso che era finalmente giunto il momento di lasciare la strada vecchia per la nuova. Così abbiamo preso a seguire il corso di Davinci Resolve sul sito ufficiale dell’azienda produttrice; è bastata una video-lezione e mezza… il giorno seguente ero in negozio per acquistarlo.

Da lì ho cominciato ad utilizzarlo quotidianamente e, mentre sto scrivendo questo post, ci ho già montato quattro video, e altri due sono avviati.

Tra i miei pochi pregi c’è sicuramente quello di avere una curva di apprendimento molto ripida, ciò mi ha senz’altro aiutato a superare il primo scoglio, quello più grande: l’interfaccia. Nuovo software, nuova interfaccia e, se sei abituato ad utilizzare un sistema da 6 anni, è davvero difficile comprendere determinate scelte, molto controverse rispetto a quelle con le quali convivi ormai da tempo. Devo ammettere che avevo parecchi pregiudizi riguardo le possibilità di riuscire a montare in modo agevole con Resolve, ma mi sono dovuto ricredere: erano pregiudizi dovuti all’ignoranza. Una volta apprese le basi, ho cominciato a capire e ad apprezzare tutta una serie di meccanismi e, nel giro di una settimana, ho potuto osservare un incremento di produttività che non sono neanche in grado di quantificare in percentuali, ma senz’altro sconvolgente.

Senza contare un altro aspetto: grazie a Resolve mi sono reso conto di quanto mi piaccia dedicarmi al color grading di un video, aspetto che prima vedevo in maniera molto “sbrigativa” (“Ho finito di montare il video, devo muovermi a fare la color”). Magari il tempo che risparmio nell’importazione e nella gestione dei media, nel montaggio e nell’esportazione lo recupero sulla color e alla fine il tempo che ci metto a finalizzare il video è lo stesso, NON LO SO. Ma anche se fosse, sicuramente avrei un video più curato.

Non voglio a questo punto andare in contraddizione con il “disclaimer 1”, dunque mi limito a concludere con un’osservazione di carattere generale, applicabile, probabilmente, a molti altri.

Per anni ho convissuto con tutta una serie di problemi “tecnici” e meccanismi contorti che mi hanno fatto perdere tanto tempo, riducendo la mia capacità di concretizzare sul lavoro, accumulando tanta frustrazione. La soluzione ce l’avevo davanti agli occhi, sul mio computer. Per abitudine, per pigrizia, per quello che vi pare, ho continuato a ignorarla, a far finta di niente. Perché, in fondo, quando ci si abbandona ad una routine, si accetta un po’ tutto, sia il positivo che il negativo; anche se quel negativo è fastidioso, tanto fastidioso, ma è al tempo stesso , in qualche modo… “rassicurante”.

Dato che, per il 2020, ho deciso che avrei cercato di rompere qualche schema, ecco che mi trovo qui, a condividere con voi questa mia esperienza, pensando che magari possa far accendere una lampadina nella testa di qualcuno.

Non è un discorso applicabile solo ad un software di montaggio, la vedo come una roba un po’ più “universale”; è un po’ come il prendere la macchina per qualsiasi cosa perché ci si è abituati, o continuare a comprare piatti e bicchieri di plastica.

In base alla mia esperienza personale, quando si ha una soluzione per poter star meglio la si deve sempre, SEMPRE prendere in considerazione. Male che va abbiamo perso un po’ di tempo, bene che va… abbiamo RESOLTO un problema.

Possiamo classificare questo post come #riflessionidaquarantena, anche se di certo non dedicherò un’apposita categoria sul blog a questa definizione.

Come sempre, grazie a tutti per aver speso una piccola porzione del vostro tempo prezioso per leggere questo piccolo delirio.

Forse ne seguiranno altri, forse no.

Chissà!

Buona quarantena, mi raccomando fate i bravi, #stateacasa, non siate irresponsabili, che presto finirà tutto (speriamo).

Cheers.

C’è sempre un momento nella vita di un individuo in cui questi si trova a non sopportare più quel sassolino nella scarpa, con il quale convive da tanto di quel tempo da averne praticamente metabolizzato la presenza, nonostante il fastidio.

Per me uno di questi sassolini è una sorta di “pigrizia selettiva”, che mi ha spesso portato a non sviluppare un progetto o un’idea perché “spaventato” dal tempo necessario perché questa potesse essere preparata.

Avete letto bene: non completata, bensì preparata. Predisposta. Allestita. Imbastita.

Dalle cose più stupide, come una semplice foto da mandare ad un concorso di fotografia digitale, a quelle più complesse come, che so… il progetto della realizzazione di un concept musicale.

Uno dei settori di cui mi occupo che sono maggiormente “colpiti” da questo atteggiamento apatico/procrastinatoristicatorio “a macchia di leopardo” è il video. Più o meno da quando ho iniziato ad occuparmi di video, tolto il periodo iniziale in cui qualsiasi cosa potesse essere sperimentata era ben accetta, ho spesso evitato di lanciarmi nella concretizzazione di un’idea a causa di vincoli auto-imposti, totalmente immotivati, e teorie complottiste (contro me stesso) riguardo il “troppo tempo” che sarebbe servito per preparare tutto.

Da qualche mese, soprattutto alla luce degli ultimi eventi catastrofici (e no, non sto parlando SOLO del coronavirus), mi sono trovato sempre più spesso a pensare a quanto tempo ho perso o, più precisamente, “non ho sfruttato”, tempo che mi avrebbe permesso di sperimentare tecniche e di mettere in pratica teorie o idee avute in tempi non sospetti, magari prima che qualcuno meno pigro di me pensasse la stessa cosa; con la piccola differenza che poi quello premeva anche “REC”.

Per quest’anno mi sono ripromesso di produrre più contenuti, siano questi fotografici o video, di esplorare nuove possibilità creative, di sperimentare strade nuove, più “agili” e “smart”.

Dopo la botta di Tenerife

ho deciso che, come parte del programma di “riabilitazione”, avrei cercato di sabotare la “pigrizia selettiva” prima che questa potesse continuare a sabotare me.

Ciò mi ha portato a due importanti novità, una delle quali è oggetto di questo breve scrittino (alla seconda dedicherò una serie di riflessioni autonome).

È l’acquisto della Insta360 GO

[pic. by me, scattata e trasferita, senza post produzione, solo l’overlay degli esagoni].

Una “action cam” grande quanto una supposta per elefanti, magnetizzata e applicabile, con un apposito ciondolo, direttamente sotto la maglietta (senza contare altri mirabolanti accessori). La particolarità di questo prodigio della tecnologia è che non è dotata di display e neanche di pulsanti, eccezion fatta per l’unico tastino pigiabile: quello per avviare e stoppare una registrazione. Che è posto sul retro della camera, quindi permette di registrare una clip semplicemente premendo la supposta stessa.

La cosa che più mi intriga di questa cam è che registra clip video di durata prestabilita, a scelta tra 15, 30 o 60 secondi; questo sposta l’attenzione sul content-making, senza starsi a fare troppe menate. Voglio registrare una clip? Schiaccio e faccio quello che devo fare, la camera va da sola e si stoppa alla fine. Entra automaticamente in stand-by ed è sempre “pronta”. Abituato a utilizzare fotocamere (reflex o mirrorless), a smanettare con i parametri, con l’esposizione, con l’inquadratura, questo approccio è tanto straniante quanto stimolante. Certo, il mio bisogno di avere “tutto sotto controllo” cozza discretamente con la natura stessa di questa modalità di ripresa, ma bisogna sempre un po’ mettersi alla prova, andare oltre quelli che sono i propri schemi e, quindi, uscire dalla comfort zone.

Questa action-cam è piccolissima, la puoi letteralmente portare ovunque e ha un potenziale infinito. E smetto di parlarne perché non voglio spoilerare troppo.

Un altro aspetto del nuovo approccio “ibrido” che ho intenzione di applicare alla produzione dei contenuti è quello dello “smart editing”, termine che – teoricamente – ho appena coniato. Spesso quando sono all’estero o in giro per lavoro mi capita di avere un’idea, di pensare ad una piccola clip da girare, ma va quasi sempre a finire in un nulla di fatto (vedi primo paragrafo). Ciò accade perché spesso “faccio a botte” con i mezzi a mia disposizione; tendo a voler utilizzare gli strumenti che uso per lavorare anche per la produzione di contenuti più “leggeri”; realizzare contenuti di qualità, sempre e comunque, è una mia prerogativa, ma riprendere con camere “professionali” richiede tempo per la post-produzione, oltre che per il montaggio; pertanto ho pensato che “alleggerirsi” un po’ (lo so che “abuso” di virgolette) possa essere la chiave per riuscire a concretizzare di più. Questo, oltre che alla scelta dei mezzi per “vloggare”, si riflette anche sugli strumenti usati per finalizzare i contenuti. Poco più di un anno fa ho acquistato un iPad Mini 4, con il solo intento di impiegarlo per pilotare il drone; effettivamente, al di là di qualche testo scritto in aereo, questo è stato il 99% dell’utilizzo che ne ho fatto,

MA.

Con un abbonamento Creative Cloud attivo dal 2014 e un tablet A5 con tanto potenziale, perché non sfruttarlo? Perché non montare i contenuti “smart” direttamente in modo “smart”?

Quindi ho finalmente installato Premiere Rush e mi sono voluto cimentare in un primo, grezzo esperimento di video “on-the-fly”. Le riprese sono state realizzate utilizzando Insta360 GO, DJI Osmo Pocket e il telefono, il mio Huawei P30 pro, durante una domenica tranquilla, oltre un mese fa. Ho importato le varie riprese direttamente sull’iPad, collegando i dispositivi (nel caso del telefono, trasferendole tramite Telegram). CHIARAMENTE il tempo di download e trasferimento è superiore rispetto a quello di un’importazione diretta sul PC, ma nel frattempo facevo altro.

Vi lascio il video qui sotto.

Come già detto, tutto ciò si concretizza in un cambiamento abbastanza radicale nel mio approccio alla creazione di contenuti, che non va assolutamente ad intaccare l’aspetto puramente lavorativo, ma che ritengo sia un valido esercizio per liberarsi da una serie di vincoli e costrizioni. Per ora sto ancora sperimentando, e continuerò a farlo.

In questi giorni, oltre a lavorare da casa, avrò modo di testare varie configurazioni e, una volta che la situazione sarà tornata alla normalità, cercherò di portarle “fuori”.

Al di là di eventi catastrofici, direttamente subiti dalla mia persona e non, questo è un periodo di grandi cambiamenti.

A quella dedicherò un post a parte, nei prossimi giorni :)

Mi raccomando, siate responsabili, rispettate le regole imposte, si può rinunciare alla “movida” per un mese, più ci impegniamo, tutti quanti, più possibilità abbiamo di far finire questa brutta situazione il prima possibile.

Se invece facciamo i coglioni, fregandocene delle restrizioni, beh amici, vuol dire che in qualche modo il #coronavirus ve lo meritate. Io mi escludo :)

Dalla mia abitazione, per ora, è tutto, stay tuned!

Cheers